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Uncle Meat

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10 Sep 2005
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Hilo para postear textos, anécdotas, curiosidades, delirios, etc., en relación con la música, y que creamos que no dan de sí como para abrir un hilo específico sobre el tema. Un cajón de sastre de los de toda la vida, vamos.

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Pocos artistas han dado tanto de sí –todo- en sus obras, sobre un escenario, en un estudio, en la vida, como Jacques Brel.

Acabo de ver por enésima vez Les adieux à l'Olympia y me apetece escribir sobre él; salir a la calle en bolas; ser la sombra del perro de alguna que yo me sé; emborracharme hasta desfallecer y mearme en las putas estrellas, como los marineros del Puerto de Amsterdam; hacer el payaso; las mojigangas que sólo él podía hacer con DIGNIDAD.

De aspecto enclenque, grandes orejas, marcada mandíbula, ojos de mico, tenía los suficiente cojones de llenar un escenario con su sola presencia; como muy pocos. Se entregaba tanto que acababa exhausto, hecho un cristo, el sudor le cubría, ya desde la primera canción, toda la cara y el desaliñado traje. Un puto monstruo de escenario. Un genio.

Nadie le ha cantado al amor como él; amor insano, eso sí –¿o, acaso, insensatos, existe otro tipo de amor?-. Ne Me Quitte Pas no es una canción de amor; es LA CANCIÓN DE AMOR. Edith Piaf, la primera vez que la escuchó, exclamó "Un hombre no debería decir esas cosas" -es que internet le pillaba lejos y este foro, todavía más-. Nadie le ha cantado a la vida bohemia y a los desheredados de la Tierra como él, con una furia y vehemencia que muy pocos se pueden permitir el lujo de expresar públicamente. Nadie mejor que él se ha cagao en la chusma belga –sus paisanos- y en la chusma global. Nadie como él. Uno de los más grandes compositores y poetas del universo.

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El Gran Jacques nos dejó en 1978, un buen año para morir. El cáncer de pulmón apagó su llama; pero por lo menos no murió, como otros, con los pulmones limpios.

A vivir, que son dos días.

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Émile Michel Cioran opina sobre la Música y Mozart.

Es extremadamente lamentable vivir momentos musicales estando a distancia de la música, sentir que no puedes temblar aunque debería impresionarte; es extremadamente lamentable ser objetivo cuando se escucha música. Tu ser no se deja llevar por el entusiasmo, no siente que tendría que chillar, llorar o derretirse, no participa en un ritmo de frenesí general ni se queda maravillado por el placer de las ondas sonoras. La distancia con respecto a la música te impide realizarte internamente, crecer, dilatarte y estallar. Qué suerte que esos momentos sean tan raros. La música, al hacer sutil la materia, al anularnos como presencia física, nos vuelve etéreos. Cualquier estado musical carece de valor si no anula la conciencia de nuestra limitación en el espacio y no disuelve nuestro sentimiento de la existencia en la secuencia temporal. Los raros momentos en que lamentamos estar distantes de la música no hacen sino despertar en nuestra conciencia la fatalidad de nuestra limitación espacial y temporal, de nuestra distancia con respecto al mundo. Sufres durante esos instantes por no poder volverte inmaterial y puro, porque las depresiones te impiden vibrar, te aislan como materia en el espacio. Todas las depresiones te aislan en el mundo, como aislarían a una piedra que tuviera conciencia. Tienden a mostrarnos que el hombre, si ya no es objeto, lo fue, sin embargo, una vez; durante la depresión, el sujeto percibe cuál es su sustrato y la materialidad que lo liga a la tierra. Existe ahí una auténtica dualidad, por no decir una paradoja. El espíritu en el hombre, que lo vuelve sujeto, tiene conciencia de la materia que lo encuadra dentro de la naturaleza. Así, todas las depresiones no son sino distancias del mundo donde el espíritu humano soporta la tristeza de su propia materia. El sujeto siente y piensa que es un objeto, que por esa dualidad ya no puede integrarse en el mundo a causa de lo inmensamente distante que está de él, aunque materialmente sea una presencia física similar a la de los demás.
Sin embargo, si experimentamos estados musicales en momentos de depresión, significa que éstos, por las sonoridades, se han inmaterializado; es una transfiguración entera que hace vibrar a las tristezas íntimas y perder su caracter de pesada materialidad. La tristeza, como origen del estado musical y como su resultado, se asemeja sólo exteriormente a la tristeza de todos los momentos no musicales; ya que se purifica con las vibraciones y crece hasta un éxtasis de lo infinito. La distancia del mundo se convierte entonces en un frénetico entusiasmo hacia el vacío que la tristeza ha abierto entre nosotros y el mundo. En la música, el vacío se convierte en plenitud, que puede no ser sino un vacío que vibra. Todos los estados anímicos se transforman en vivencia musical y reciben nuevos caracteres, porque ésta profundiza y vuelve sutiles todos los estados hasta la vibración, fundiéndolos en convergencias e inmaterialidades sonoras.
Sólo aman la música quienes sufren a causa de la vida. La pasión musical sustituye a todas las formas de vida que no se han vivido y compensa en el plano de la experiencia íntima las satisfacciones encerradas en el círculo de los valores vitales. Cuando se sufre viviendo, la necesidad de un mundo nuevo, distinto del que vivimos habitualmente, nace de forma imperiosa para no diluirnos en un vacío interior. Y ese mundo sólo la música puede traerlo. Todas las otras manifestaciones del arte descubren nuevas visiones, configuraciones o formas nuevas; solamente la música trae un nuevo mundo. Las obras más importantes de la pintura, por mucho arrobamiento que te produzca su contemplación, te obligan a hacer comparaciones con el mundo de todos los días y, por consiguiente, no te ofrecen la posibilidad de entrar en un mundo absolutamente distinto. En todas las otras artes, todo está próximo, pero no tanto que se vuelva una intimidad suprema; sin embargo, en la música, todo está tan lejos y tan cerca que la alternancia entre lo monumental y lo íntimo, entre lo inaccesible y lo lírico crea una entera gama de éxtasis interior. Frente a un cuadro del mundo no has sentido que el mundo podría empezar contigo; pero hay finales sinfónicos que a menudo te han llevado a preguntarte si no serás tú el principio y el fin. La locura metafísica provocada por la experiencia musical crece conforme se ha perdido más y se ha sufrido más en la vida; pues a través de ella pudiste entrar de manera más completa en otro mundo. Cuanto más profundizas en la vivencia musical, tanto más agrandas la insatisfacción inicial y agravas el drama original que te hizo amar la música. Si la música es el resultado de una enfermedad, no hace entonces sino ayudar al progreso de esa enfermedad. Pues la música destruye el interés por la acción, por los datos inmediatos de la existencia, por el hecho biológico como tal y deshabitua al individuo. E1 hecho de que después de las tensiones íntimas a las que te llevan los estados musicales sientas la inutilidad de seguir viviendo no expresa sino ese fenómeno de desadaptación. Mucho más que la poesía, la música debilita la voluntad de vivir y distiende los resortes vitales. ¿Renunciamos a la música entonces? Todos los que somos fuertes cuando escuchamos música, porque somos débiles en la vida, ¿seremos tan ineptos como para renunciar también a nuestra última pérdida, a la música?
Aconsejo la musica de Mozart y de Bach como remedio contra la desesperación. En su pureza aérea, que a veces llega a alcanzar una sublime gravedad melancólica, frecuentemente se siente uno ligero, transparente y angélico. Otras veces tienes la sensación de que a ti, criatura a quien la vida ha sumido en el desconsuelo, te crecen alas que te impulsan a un vuelo sereno, acompañado de discretas y veladas sonrisas, en una eternidad de evanescente encanto y de dulces y acariciadoras transparencias. Es como si evolucionaras en un mundo de resonancias trascendentes y paradisíacas. Todo hombre tiene en potencia algo de angélico, aunque no sea más que por la pena de no tener semejante pureza y por la aspiración a una serenidad eterna. La música nos despierta el pesar de no ser lo que tendríamos que ser, y su magia nos cautiva por un instante trasponiéndonos a nuestro mundo ideal, al mundo en el que habríamos tenido que vivir. Tras el conflicto demencial de tu ser, te acomete un anhelo de pureza angelical, y nos hace esperar alcanzar un sueño de trascendencia y serenidad, lejos del mundo, flotando en un vuelo cósmico, con las alas extendidas hacia vastas lejanías. Y me entran ganas de tragarme los cielos que a mi no se me han abierto nunca...
(...)
MOZART O MI ENCUENTRO CON LA FELICIDAD. El hombre no puede ser esencial sino en la desdicha. ¿Acaso Mozart nos atrae únicamente como excepción?
¿Acaso sólo de Mozart hemos aprendido la profundidad de las serenidades?
Siempre que escucho su música me crecen alas de ángel.
No quiero morir, porque no puedo concebir que un día sus armonías me sean extrañas para siempre.
La musica oficial del paraíso.
¿Por qué no me he derrumbado? Me salvó lo que de mozartiano hay en mi.
¿Mozart? Intervalos en mi desdicha.
¿Por qué amo a Mozart? Porque él me descubrió lo que yo podría ser si no fuera obra del dolor.
Los símbolos de la felicidad: la ondulación, la transparencia, la pureza, la serenidad...
La ondulación: esquema formal de la felicidad. (Revelación mozartiana.)
La clave de la música de Bach: el anhelo de evadirse del tiempo. La humanidad no ha conocido otro genio que haya presentado con un mayor pathos el drama de la caída en el tiempo y la nostalgia del paraíso perdido. Las evoluciones de su música dan una grandiosa sensación de ascensión en espiral hacia los cielos. Con Bach nos sentimos a las puertas del paraíso; nunca en él. La presión del tiempo y el sufrimiento del hombre caído en el tiempo amplifican la añoranza de mundos puros, pero no nos trasplantan a ellos. El pesar por el paraíso es tan esencial en esta música que uno se pregunta si Bach tuvo alguna vez otros recuerdos que no fueran los del paraíso. Una inmensa e irresistible llamada resuena proféticamente en ella y ¿cuál es el sentido de esa llamada sino sacarnos de este mundo? Con Bach nos elevamos dramáticamente hacia las alturas. Quien en el éxtasis de esta música no haya sentido lo transitorio de su condición natural y no haya vivido la serie de mundos posibles que se interponen entre el paraíso y nosotros, no entenderá por qué sus tonalidades están constituídas por besos de ángeles.
Lo trascendente tiene en Bach una función tan importante que todo cuanto le es dado vivir al hombre tiene sentido únicamente en relación con su condición en el más allá. No hay nada de natural en esta música trascendente porque no tolera nunca ni las apariencias ni el tiempo.
Bach nos invita a una cruzada para descubrir en el alma humana, más allá de las apariencias, el recuerdo de un mundo divino. ¿Pero acaso ha comprendido al hombre, acaso creyó que con tales emociones podría consolarlo? ¿No se dirige su llamamiento y su consuelo a un mundo de ángeles caídos a quienes la tentación astral del pecado quebró sus alas y los arrojó de alli aquí, donde las cosas nacen y mueren? Una tragedia angélica es toda la música de Bach. El exilio terrenal de los ángeles es su motivo y su sentido oculto. Por eso a Bach sólo podemos entenderlo cuando nos alejamos de nuestra condición humana, cuando vivimos en nuestro primer recuerdo. Acongojado por la caída en el tiempo, Bach solo vio la eternidad. El pathos de esta visión consiste en representar el proceso de ascensión a la eternidad, y no la eternidad en sí misma. Una música en la que no somos eternos, sino que lo seremos. La eternidad es la ruptura completa del tiempo y la entrada no en otro orden de existencia, sino en un mundo sustancialmente diferente. A la visión cristiana de la discrepancia absoluta entre tiempo y eternidad, Bach le dio un perfil sonoro. La eternidad no es concebida como una infinidad de instantes (hay una eternidad en el tiempo, una totalidad inmanente del devenir), sino como un instante sin centro y sin límites. El paraíso es el instante absoluto, un momento redondeado en sí mismo, en el que todo es actual. La tensión y el dinamismo de esta música vienen determinados por el hecho de tener nosotros que conquistar el paraíso; no queremos que se nos conceda. La intervención divina apenas juega un papel. Bach pide más bien a Fary que nos acoja, no que nos salve. El momento dramático tiene lugar a las puertas del paraíso, en el umbral de la eternidad. La cruzada por el paraíso alcanza aquí su punto culminante en el profundo cristianismo de Bach. La otra vía, la de la revuelta y la del abismo humano, imaginó una cruzada para manumitir al paraíso de la dominación divina...
¿Qué armonías oímos a las puertas del paraíso? ¿Qué es lo que puede oírse solamente allí? Si con Bach lloramos el paraíso, con Mozart estamos en el paraíso. Esta música es realmente paradisíaca. Sus armonías son un baile de luz en la eternidad. De Mozart podemos aprender lo que significa la gracia de la eternidad. Un mundo sin tiempo, sin dolor, sin pecado... Bach nos hablaba de la tragedia de los ángeles; Mozart de la melancolía de los ángeles. La melancolía angélica tejida de serenidad y transparencia, juego de colores.
La evolución en espiral de la música de Bach indica, por ese mismo esquema, una insatisfacción con el mundo, con lo que se nos ha dado, una sed de conquistar una pureza perdida. La espiral no puede ser un esquema de la música paradisíaca porque el paraíso es el límite final de la ascensión; más arriba ya no es posible llegar. A lo sumo, hacia abajo, a la tierra. ¿Existirá también allí pesadumbre por la tierra? Pero eso es demoníaco...
En Mozart, la ondulación significa la apertura receptiva del alma al esplendor paradisíaco. La ondulación es la geometría del paraíso, como la espiral es la geometría de los mundos interpuestos entre la tierra y el paraíso.
MOZART O LA MELANCOLÍA DE LOS ÁNGELES. Martillea obsesivamente mi cerebro, me pesa y me roe el alma lo que dijo una vez Maurice Barrès sobre las primeras composiciones de Mozart, sobre los primeros minuetos que compuso a los seis años: «El hecho de que un niño haya podido vislumbrar semejantes armonías es una prueba de la existencia del paraíso por el anhelo». Tiene razón Barrès; toda la música de Mozart, pura y aérea, nos transporta a otro mundo y tal vez a un recuerdo. ¿No resulta extraño que, purificados por ella, vivamos sodas las cosas como recuerdos que nunca se convierten en lamentos? ¿Y eso por qué? Porque el mundo que Mozart nos ofrece posee la misma consistencia que los recuerdos; es inmaterial. Se ama a Mozart en los momentos en que se priva a la vida de su dirección, cuando se convierte el entusiasmo en vuelo, cuando las alas son portadoras de la fortuna y no de la fatalidad. ¿Quien podría decir dónde termina la gracia y empieza el sueño? Esta música de ángeles nos ha hecho descubrir una categoría nueva: el estado de suspensión, de planeamiento. También en Haydn encontramos gracia y pureza; también él posee ese íntimo encanto propio de la ausencia de lo metafísico. Pero, a diferencia de Mozart, él se dirige mas a los hombres, su sueño es pastoral, su gracia es más terrenal que aérea. La atracción de nuestro mundo perturba el encanto del estado de suspensión. Para Mozart, como para cualquier música angélica, mirar abajo, hacia nosotros, es una traición. Eso suponiendo que la traición mayor no sea sentirse hombre...
¿Se mantuvo Mozart hasta el final de su vida fiel a su visión, fiel al mundo que descubren las ondulaciones de una melancolía del sueño, fiel a su paraíso interior y al del anhelo o al del recuerdo? ¿No nos sentimos a veces inclinados a creer que Mozart nunca estuvo manchado por el pensamiento de la muerte, que nunca estuvo infectado de ponzoñosas tristezas? Aunque en una carta escrita varios años antes de morir confiesa su perfecta intimidad con el pensamiento de la muerte, sin embargo, sería difícil encontrar, en esa época, fuera de la fatiga y de un entusiasmo reprimido, un pensamiento triste que tendiera sus arcos negros por encima de su mundo. Hace mucho se observó que el Réquiem de Mozart, aunque expresa el anhelo de escapar del mundo, sigue conservando un soplo de pureza o una indefinible elusión consoladora en un mundo de color de rosa, que enmascara los sufrimientos de la caída en el mundo.
Y, pese a todo, Mozart no fue consecuente con su sueño inicial. Si bien escribió una música para los ángeles, las alas se le cayeron siempre que no estaba en su música, es decir, en la música de ellos. Así, lo que creó el año de su muerte es una traición. El retorno a su propia condición, el reencuentro con su humanidad, el despertar del sueño de su vida sustituyen esa melancolía trascendente por una tristeza sombría, material, una fúnebre atmósfera de descomposición y de irreparabilidad que, más tarde, en las últimas creaciones de Schubert, encontrarán su dolorosa culminación.
Casi hasta su muerte, Mozart preservó la continuidad de su sueño de juventud. La prueba de la existencia del paraíso por el anhelo de la que hablaba Barrès se renueva justo hasta la traición. De pronto es como si hubiera sido expulsado del paraíso por los siglos de los siglos. Y su caída nos es perceptible por la infinita tristeza y la intimidad con la muerte de sus últimas composiciones. Ha tenido lugar un auténtico salto, una significativa discontinuidad, una ruptura simbólica. El adagio de su último concierto para clarinete y orquesta nos pone de manifiesto un Mozart cambiado; no convertido sino caído; no transfigurado sino vencido. Una música en la que una sutil y etérea melancolía rechazaba la tristeza material y el entusiasmo gracioso excluía la otra cara de la vida, y que, de pronto, se desliza por la pendiente opuesta, donde será irremediablemente vencida. E1 hundimiento del sueño de toda una vida. Aunque formalmente pueda reconocerse todavía al Mozart de antaño, la atmósfera y los reflejos afectivos constituyen una sorpresa extrañísima. La tristeza de las últimas creaciones de Mozart, en especial la sombría atmósfera del concierto para clarinete y orquesta, da la sensación de un deterioro de su elevación espiritual, de un descenso hasta el cero vital y psíquico. Cada tono marca un paso hacia la disolución y aniquilación de nuestra jerarquía espiritual. Arrojamos uno tras otro los velos de nuestra alma, nuestras ilusiones se diluyen y convertimos su transparencia en vacío. La tristeza musical de ese final mozartiano es como un murmullo subterráneo; contenida y, sin saber por que, cohibida. Cuando se piensa en la patética grandeza de la tristeza musical en la Tercera sinfonía de Beethoven, donde la tristeza cobra unas dimensiones tan enormes que une los mundos, construyendo por encima de ellos una bóveda sonora, otro cielo, entonces el triste final de la obra de Mozart no supera las dimensiones del corazón ni el espacio donde se enmarca el alma. En la tristeza y en la muerte no puede transfigurarse un alma cuya inspiración hizo «carrera» en el paraíso.
Si decimos que el sueño de serenidad, de profundidad en la serenidad, de gracia y de vuelo inmaterial, que toda la sutil y trascendente melancolía que se desprende de su obra, es de tal naturaleza como para hacernos creer que él sorprendió las melodías de otro mundo y se las restituyó, ¿no seria todo eso expresión de un anhelo antes que la realidad espiritual de Mozart?
Este problema, que tantas veces se ha planteado, resulta falso. ¿Puede imaginarse alguien que un hombre no haya vivido su vida entera en el mundo que él mismo ha creado? Nada nos induce a creer que, antes de su caída, Mozart no haya vivido en un mundo de vibraciones puras, en otro mundo. Nadie canta al paraíso porque no lo tiene, sino porque no quiere perderlo.
Los que viven en los estados del segundo Mozart, el de ese breve periodo en que la muerte oscureció las luces y los recuerdos de su paraíso interior, ésos aman apasionadamente la musica paradisíaca de Mozart, hasta el punto de hacer de ello un auténtico «complejo». Y la aman porque mantienen, oculto por tantas decepciones y descalabros en su vida, el mundo de su paraíso interior, ésos mundos que se les revelan durante las infinitas dilataciones del éxtasis. Pues no podemos amar el mundo de Mozart sin encontrarlo en lo más profundo de nuestra alma. Todo el secreto de la desesperanza reside en la antinomia creada entre un fondo mozartiano y las inmensidades negras que aparecen en la vida para asfixiar ese fondo. Hay tantas almas que viven de la muerte de otras, sin saber donde buscar sus orígenes, sus auroras.
Que Mozart no vivió en nuestro mundo, que no comprendió desde el principio la caída y la muerte, es una estupidez explicarlo por el ambiente rococó donde se desenvolvió. Al contrario, tenemos que decir que existen seres para quienes la individuación no es una maldición, porque se les desvela tardíamente la fatalidad de esa condición. Quienes son conscientes y desgraciados en la conciencia de la individuación, en su contacto con el dolor y la muerte, se transfiguran y aceptan las luces de lo demoníaco. Mozart vivió demasiado tiempo entre armonías seráficas como para poder seguir explotando esas luces.


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Dicen que cada generación tiene el Elvis que se merece...

Jamás me ha gustado Elvis Presley. Cuando estalló el Rock’n’Roll –producto nigger, of course-, los poderes fácticos del momento no podían consentir que los encantadores vástagos yankies le entregasen sus almas a Satán y a un puñado de negratas malolientes. Entonces se sacaron a Elvis de la manga, un bisbalín que quería ser poli antes que músico y que le daba la mano –y el culo, si se prestaba la ocasión- a Nixon. Desde luego un menda que hace estas cosas, y que además se come diez cajas de helado, en un día, o se construye en su mansión una fuente de pepsi-cola, no podía ser tampoco muy buen pastor para la degenerada juventud de aquel entonces. Al final, la cosa acabó como acabó.

Nuestro Extreme Elvis del momento es mucho más honesto y no le importa pregonar al mundo sus miserias -entre otras muchas, su nanopene- y hacer el mongo en cuanto le dan algo de cancha; pero no deja de ser un producto del momento de degeneración absoluta en que nos encontramos :lol: . Sus shows son muy recomendables. A ver cuándo se pasa por Spain.

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P.D: Su página web da un poco de repelús. :shock:

https://www.extremeelvis.com/

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Una de las anécdotas más cachondas protagonizadas por Jello Biafra Dead Kennedys-, y de la historia del rock, es la relacionada con el alquiler de una de esas cajas blindadas que hay en algunos bancos, dentro de un habitáculo provisto de rejas –yo las he visto, como la mayoría de vosotros, sólo en las películas: os sonará de films como Marathon Man, donde el doctor Szell, el dentista hijoputa, guardaba los diamantes-. Pues bien, Jello tuvo la feliz idea de meter en una de estas cajitas varios kilos de pescado; nadie se dio cuenta de la jugada porque, aparte que el muy cabrón llevaba los jureles bien ocultos, ahí el trabajador del banco se limita a abrirle a uno la reja y punto. El caso es que, cuando pasaron varios días, aquello empezaba a atufar ya como el copón. Los del banco estuvieron varios días trabajando con mascarillas hasta que llegó la orden judicial para poder abrir la caja y sacar toda aquella carroña. Ni que decir tiene que por allí no se acercó ningún cliente en mucho tiempo.

AMO TOTAL
 
Uncle Meat rebuznó:
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Émile Michel Cioran opina sobre la Música y Mozart.

¿Quién es éste tío?
 
ilovegintonic rebuznó:
¿Quién es éste tío?

No sé, pero tiene pinta de cabronazo. :lol:

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Y, para que no se nos acuse de forochatis, aprovecharé para colgar aquí las dos canciones de Brel a que hago referencia más arriba -que, no sé por qué, se me pasó de ponerlas antes-. :lol:

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Ne Me Quitte Pas

Amsterdam, en directo, en el Olympia de París, 1964 –para muchos, su mejor actuación-.
 
Uncle Meat rebuznó:
ilovegintonic rebuznó:
¿Quién es éste tío?

No sé, pero tiene pinta de cabronazo. :lol:

Pues igual me lo pongo de avatar o algo. :eek:

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El cabronazo rebuznó:
Fuera de la música, todo, incluso la soledad y el éxtasis, es mentira. Ella es justamente ambos, pero mejorados.
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Sólo la música puede crear una complicidad indestructible entre dos seres. Una pasión es perecedera, se degrada como todo aquello que participa de la vida; mientras que la música pertenece a un orden superior a la vida y, por supuesto, a la muerte.

También dijo que la música solo duraba mientras la oímos, al igual que Dios solo existe mientras dura el Éxtasis religioso. Y que el arte supremo, al igual que el Ser Supremo, dependen enteramente de nosotros.
 
Es el mejor análisis que he leído, hasta ahora, sobre lo que significa para algunos -que no todos- la experiencia suprema de escuchar Música. Cualquier ser con un mínimo de inteligencia y sensibilidad ha de identificarse con eso.
 
DESPUÉS DEL FOROCHATEO DE MI MAESTRO, ANÉCDOTA AL CANTO:

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MICK JAGGER, CANTANTE DE LOS CANTOS RODAOS (AKA BALAS PERDIDAS), EXTRAJO LA INSPIRACIÓN NECESARIA PARA COMPONER "SIMPATHY FOR THE DEVIL", CANCIÓN DEDICADA A MÍ, DE UN LIBRO LLAMADO "EL MAESTRO Y MARGARITA", DE MIJAÍL BULGÁKOV. COMPLEJO, PERO PRECIOSO LIBRO QUE HABLA DE LA LLEGADA DEL DIABLO A LA ALTA SOCIEDAD LITERARIA RUSA DE LOS AÑOS 30, ESTABLECIENDO UN PARALELISMO CON LA JERUSALEN DE PONCIO PILATOS. LÉANSELO Y DEJEN A ESAS MIERDAS GAFAPASTILES DE AUSTER Y DEMÁS PATRAÑAS.

SERÉ GENEROSO:


ed2k://|file|Bulgakov,%20Mijail%20-%20El%20Maestro%20Y%20Margarita.pdf|836460|0FE886B53C8FFFDFF0AE598B2A7F518D|/
 
Clark Gable rebuznó:

SERÉ GENEROSO:[/b]


ed2k://|file|Bulgakov,%20Mijail%20-%20El%20Maestro%20Y%20Margarita.pdf|836460|0FE886B53C8FFFDFF0AE598B2A7F518D|/

Se agradece. Habrá que echarle un vistazo.

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Si ha habido en la historia del rock un grupo cateto, pero cateto, ese ha sido Slade. Naturales de Wolverhampton, el culo de las Islas; casí ná.

Después de patearse todos los garitos más pestosos de Inglaterra, y de cambiar de nombre y de look varias veces -The N’Betweens, Ambrose Slade,...-, al final decidieron apuntarse a la movida glam y competir con Bolan, Bowie & Cía.

El caso es que, para un ser tan sofisticado como el alma de T. Rex, la aparición en escena de estos cuatro palurdos no tenía la menor importancia. Pero,... craso error: al final, aquél tuvo que rebajarse a negociar las salidas de sus singles con los paletos Slade para no tener que competir cada mes en los charts con ellos. Y es que Slade, desde 1972 a 1975, colocarón en las listas más éxitos que el sorprendido Bolan. La clave del éxito de este grupo estuvo en sus fantásticas canciones y en sus espectaculares conciertos, no precisamente en su imagen -parecían cuatro cabreros, vestidos de putas para el carnaval- y eso es lo que perdura y los hace inmortales.

Las dos cabezas que sobresalían más de este grupo eran, claro está, Noddy Holder y Dave Hill. El sello de identidad del primero eran los pantalones a cuadros y el sombrero de espejos; si le añadimos que llevaba los pelos a lo Harpo, ya tenemos el espantapájaros completo. Pero es que el segundo era todavía peor. Dave Hill es el Algarrobo del Rock'n'Roll; cejijunto y más feo que picio, gustaba de llevar atuendos intergalácticos y unas botas de plataforma del copón -que un una ocasión le jugaron una mala pasada: bajando de un escenario, fue a meter una bota por entre los travesaños de la escalera y se partió la pata :lol: ; una víctima del glam, en toda regla, y un grandísimo cazurro-. El resto de la banda, Don Powell y Jim Lea, también tenían lo suyo, pero no destacaron tanto como la pareja anterior.

Existe una anécdota muy cachonda de este grupo y que data de 1972 -cuando empezaron a despuntar-. Resulta que fueron nombrados banda del año por la revista británica Disc y ésta preparó un evento especial en un yate, sobre el Tamesis. A aquel evento asistía lo más selecto del panorama musical de la época y la banda quería aparentar algo de clase. El objetivo prioritario para ellos era que nadie se percatara de que aún iban rodando en un cuatrolatas; y también se habían propuesto irse de la fiesta los primeros -porque alguien les dijo que eso denotaba distinción-. El caso es que se acercaron muy lentamente al lugar del evento y comenzaron a observar, desde la lejanía, la llegada de los Rolls Royce de la jet -entre ellos, el de Maggie Bell-. Entonces dieron media vuelta y decidieron quedarse aún en el coche y fumarse unos pitillos. Pero no paraban de llegar limousinas, así que al final se tuvieron que armar de valor y se dirigieron a una lancha, para ver si les transportaban hasta el yate. ¿De quién era la lancha?... Pues de Rod Stewart, que iba con su corte de criados :lol: . Esto les intimidó bastante: aquel tipo no era de su misma clase social y tal, ellos eran unos patanes, ¿qué hacían al lado de un ser superior como aquél? Pero Rod, muy educadamente, les invitó a subirse y a compartir lancha. Cuando llegaron al barco, descubrieron que había ¡barra libre!... Ni que decir tiene que se fueron los últimos de aquel lugar -por lo visto se juntaron con los Monty Pyton y agarraron todos una cogorza de la hostia-.

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Dave Hill, un tío con clase.

Para la posteridad dejaron himnos como Mama Weer All Crazee Now, Cum On Feel The Noize, Gudbuy T'Jane o Coz I Luv You . Otro distintivo de la banda era éste: el terrorismo ortográfico y gramatical.
 
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Screamin’ Jay Hawkins, un freak de los pies a la cabeza, es el padre espiritual de Alice Cooper y de muchos colgaos de la vida. Capas y trajes -a cual más estrafalarios-, ataudes -él solía salir de un ataúd en sus conciertos-, esqueletos, llamas por todos lados, alaridos infrahumanos, eran el sello de identidad de las actuaciones de este tío. Una vez tuvo un percance con el dichoso ataúd: no podía salir de él y le entró un ataque de pánico en plena escena; al poco, la caja se cayó al suelo y se abrió, y el hijoputa se lió a patadas y puñetazos con toda la banda -el público pensó que aquello formaba parte del show-. También tenía problemas para hacerse con estos trastos, ya que las funerarias opinaban que no estaba bien vender eso para hacer de él un uso tan irreverente. Luego estuvo en el trullo una temporada. En fin, era un nigger problemático y original. Pero si el gran Screamin’ Jay Hawkins ha pasado a la historia es debido, por supuesto, a la calidad de sus temas. Su canción más conocida es I Put A Spell On You, un temazo que parece de un Tom Waits de los 50's, y que se hizo mundialmente famoso por la versión de los Creedence. Luego también está Constipation Blues -El Blues del Estreñimiento-, un puto megaclásico del mal gusto.

Espero la descarguen y la disfruten.

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Siga usted con esas impagables anécdotas del rock. Se notan muchos años de Popular 1 a sus espaldas.

Atentamente
 
marillion1972 rebuznó:
Siga usted con esas impagables anécdotas del rock. Se notan muchos años de Popular 1 a sus espaldas.

Atentamente

Odio esa revista, aunque menos que a otras, todo sea dicho.

Aprovecharé para decir que todas las revista de música están untadas -lógico-, así que es mejor la opinión internetera. ¡Dónde va a parar!
 
Uncle Meat rebuznó:
marillion1972 rebuznó:
Siga usted con esas impagables anécdotas del rock. Se notan muchos años de Popular 1 a sus espaldas.

Atentamente

Odio esa revista, aunque menos que a otras, todo sea dicho.

Aprovecharé para decir que todas las revista de música están untadas -lógico-, así que es mejor la opinión internetera. ¡Dónde va a parar!

Mejor web internetera dedicada al género?
 
johnlennon rebuznó:
Mejor web internetera dedicada al género?

Este foro, por supuesto. :D

No se trata de webs, amijo. Aloha, por ejemplo, no está mal, pero se le nota bastante que han echado mano de cierto libro publicado hace ya bastantes años por un colaborador de la rock de luxe. Me refiero a que hay mucha información por ahí desperdigada y, si te interesa un artista o grupo, puedes buscar por la interhez y probar suerte -si sabes inglés, mucho mejor, claro-. También está amazon, que tiene muchos comentarios de usuarios anónimos y que no cobran nada por ello.

También hay buenas páginas específicas dedicadas a autores o grupos determinados -por ejemplo, si te gusta Zappa, es obligado pasarse por El Tercer Poder: una gran web dedicada al Maestro, y en español-, pero no sé mucho de páginas realmente buenas para lo que tú buscas.
 
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Dentro de nada se cumple el 30 aniversario de la muerte de Marc. Un estúpido accidente de tráfico, en un aciago 16 de septiembre de 1977, acabó con el máximo exponente y creador del Glam, y acalló para siempre una de las voces más bonitas del Rock. De esbelta figura, facciones andróginas, pies minúsculos –pies de tía- y movimientos –y costumbres- de prima donna, Marc Bolan se sacó de la manga, el solito, la imagen glam por antonomasia –con permiso de Bowie- y el sonido que rompería en la primera mitad de los gloriosos 70’s: riffs básicos, coros bubble gum, bases rítmicas de juguete, textos sensuales y autocomplacientes –“necesito un Rolls Royce porque es bueno para mi voice”-; en definitiva, una música, en conjunto, lo más alejada posible del sinfonismo y progresismo de grupos como Caravan o Yes –o sea, en mi puta mierda de opinión que no vale ni para tomar por culo, que retomó la espontaneidad del rock 50’s, pero, obviamente, aderezada con el pop 60’s-. Marc Feld nació un agraciado 30 de septiembre de 1947 en Londres. Cuando era un teenager se apasionó por el Rock y el Folk, y un buen día decidió lanzarse a la aventura. Se puso de nombre artístico Marc Bolan, en honor a uno de sus máximos ídolos -BOb DyLAN- y, junto al tocatimbales Steve Peregine Took, fundó en el 67 Tyrannosaurus Rex. Con esta formación –y con este nombre- grabó tres discos acústicos de folk intergaláctico, y paranoias tolkienianas, bastante interesantes, pero de nula repercusión comercial –aunque se aseguró unos cuantos fans perroflautas incondicionales-. Después de meditar un tiempo, y seguir unas clases de guitarreo con el mismísimo Clapton de profesor, Bolan echó a Took y se unió al percusionista Mike Finn –de un físico prácticamente idéntico al anterior-, grabó otro disco como Tyrannosaurus RexA Beard Of Stars: donde ya la guitarra eléctrica tomaba protagonismo-, para después reducir el nombre del grupo a sólo T. Rex –porque parece ser que a algunos estrategas de la compañía discográfica les parecía el nombre anterior demasiado largo-. Fue a partir de ese momento cuando comenzó a grabar discazos de rock básico y eléctrico y a ver que su delicado rostro aparecía tanto en revistas especializadas como en panfletos para quinceñas. Fueron los años de gloria para Marc: sus himnos escalaban al número uno en Inglaterra con una facilidad que sólo estuvo al alcance de los dioses Beatles; apenas pisaba el suelo como el resto de mortales: iba a todas partes en limousine; se codeaba con la jet de la época: Ringo, Elton John, Bowie, etc; y, por encima de todo, el placer de verse como padre espiritual de gente de la estofa de su amigo/enemigo Bowie –etapa Ziggy-, Brian Eno, Brian Ferry, Slade, Sweet, Gary Glitter, Mott The Hopple, Steve Harley, etc. Todo fue de color de rosa hasta que la calidad de sus discos y las ventas empezaron a decrecer, a partir del 74, y todo se fue definitivamente a la mierda en el 77, cuando sólo tenía 29 años. Pero, bueno, ahí queda su legado: un puñado de buenos discos y la santísima trilogía Electric Warrior/The Slider/Tanx –a cual mejor-.

Allá donde estés, Marc, un abrazo.

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Cold Fire:

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Un buen puñado de Himnos -para el que quiera empezar a escuchar a este hombre-:

- Bang A Gong (Get It On)
- Main Man
- 20th Century Boy
- Mambo Sun
- Baby Strange
- Broken-Hearted Blues
- Cosmic Dancer
- Life's A Gas
- Girl
- Change
- My Little Baby
- There Was A Time/Raw Ramp
- Mystic Lady
- The Slider
- Telegram Sam
- Life Is Strange
- The Street & Babe Shadow
- King of the Rumbling Spires
- Highway Knees
- Children Of The Revolution
- Deboraarobed
- Chariots Of Silk
- She Was Born To Be My Unicorn
- A Day Laye
- By The Light Of The Magical Moon
- The Time Of Love Is Now
 
Otro que nos deja.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Luciano_Pavarotti

No voy a decir mucho de este hombre. Sólo que le perdono esa pantomima de Los Tres Tenores y sus horribles duetos de los últimos años, y que espero sea recordado siempre como lo que fue: uno de los más grandes intérpretes de Ópera. Verle en los entreactos, o cuando caía el último telón, me daba una idea de lo que este tío disfrutaba con su trabajo y la entrega que ponía en todo lo que hacía; joder, era una sonrisa de oreja a oreja, como la de un niño.


Deserto sulla terra,
col rio destino in guerra
e sola spese un cor
al trovator!
Ma s'ei quel cor possiede,
bello di casta fede,
e d'ogni re maggior
il trovator!



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Keith Moon - The Who (grupo amazord donde los haya)

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Eric Clapton invitó a Pete Townshend a acompañarle en su nueva gira, y Keith decidió unirse. En una de las actuaciones, salió al escenario y "toco" una guitarra de juguete. Después, volvió del backstage con la guitarra llena de carne de hamburguesa y la rompio en la cabeza de Clapton. Pero como era un buen chico, rapidamente consiguió una escoba y se puso a barrer.

Cuando Keith tenía 17 años, se compro un disfraz de caballo, y estaba tremendamente feliz. El mismo día que lo compro, se lo puso y intentó subir a un autobús. Cuándo el conductor le negó el acceso, él empezó a perseguir el autobus calle abajo, saltando dentro y fuera, relinchando, maldiciendo y gritando "¿dónde dice que no se permiten caballos?"
Durante uno de sus (muchos) ataques de rabia, tiró una botella de vino a su esposa, Kim. Cuando se seco la mancha de la pared, le puso un marco y poso ahi para fotos publicitarias.

Keith estaba (como de costumbre) en una fiesta salvaje en un hotel cuando dos policías entraron para deterner la juerga. Él les ofreció una bebida, y a los pocos minutos, Keith y Viv Stanshall estaban vestidos de policía mientras los dos policias andaban por la fiesta en ropa interior.

Keith y su buen amigo Oliver Reed estaban comiendo en un restaurante de Hollywood, lleno de gente del mundo del espectaculo. Oliver estaba riendose de Keith, diciendole "eres un judio chiflado, que yo lo se" Keith respondió saltando encima de la mesa, bajandose los pantalones, y mientras le mostraba que no estaba circuncidado, gritaba "¡Mira! ¡No soy un puto judio!"

La revista Rolling Stone le pidió a Keith que posase con uno de su muchos coches para un reportaje fotografico que estaban haciendo. Siempre deseando hacer el tonto, compró un camión de lechero, y lo estaba conduciendo en el exterior de su casa, cuando se dio cuenta de que no tenia suficiente espacio en el garaje ya que uno de sus amigos había dejado un coche muy caro allí, cuando alguien preguntó que hacer con él, Keith lo miro y rápidamente dijo "¡al estanque!" y alli es donde se quedó durante 2 semanas.

Mientras vivia en California, Keith se emocionó al enterarse que su vecino de al lado era Steve McQueen. Fue rapidamente a su casa para presentarse, pero en vez de eso conocio a su hijo, al que ofreció drogas rápidamente. Comenzo una pelea, y culminó con Keith mordiendo al perro de McQueen. Al dia siguiente tuvo que ir a la comisaria para contestar unas preguntas, y se presento vestido con un uniforme nazi. Se retiraron todos los cargos.

En otro momento, Keith y Viv Stanshall estaban vestidos como oficiales nazis y decidieron hacer un viaje a la parte judía de Londres, donde ellos entraron en una panadería y exigieron una barra de pan alemán. La anciana que estaba tras el mostrador les persiguio calle abajo arrojandoles barras de pan todo el camino. Más tarde fueron a varias cervecerias alemanas, es todas se hacia el silenco cuando entraban, y en una de ells, Keith levanto el brazo y grito "Sieg Heil!", como es logico, le echaron a patadas.
En una gira con los Herman's Hermits, compró una piraña como mascota y la guardo en la bañera del hotel. Un dia decidió hacerle 'cosquillas en la nariz', cosa que por supuesto, termino con un mordisco.

Keith estaba en un hotel en Gales en el que habia una pasarela de moda. Como la ropa que tenia puesta era un equipo de piloto, penso que llevar eso y entrar en la pasarela seria algo inapropiado. Asi que se quedo en ropa interior, entro y estuvo dando volteretas por la pasarela mientras cantaba una version desafinada de 'the little old lady from pasadena'.
Nunca creyó en el movimiento hippie de paz y amor. Cuando alguien con pelo largo y collares le intentaba dar una flor, él sonreia arrancaba la parte superior de la flor de un mordisco.
The Monkees tenian un concierto con todas las entradas vendidas, y justo antes de que ellos salieran, hubo pequeños disturbios en las primeras filas. Por supuesto, Keith era responsable. Estaba haciendo cantar al publico "¡Queremos a los Who! ¡Queremos a los Who!" Pese a todo, los Monkees tocaron.

Keith y amigos entraron en una tienda de muebles en la que habia una gran mesa al lado de la ventana. Al entrar llevaban comida china y platos, se sentaron en la mesa y se sirvieron la comida. Al terminar, Keith le pregunto al vendedor si podia lavar los platos, el propietario le dijo que si, pero que tendria que comprar la mesa antes, cosa que Keith hizo alegremente.

En un vuelo de Inglaterra a América, Keith se desnudó, e insistió en sentarse en el regazo de John Entwistle todo el vuelo.
Cuando Pete Townshend estaba entrando en un ascensor en el hall de un hotel de lujo en América, Keith cogió de repente el teléfono de un mostrador y llamó a Pete "es para ti" y le dio el teléfono en el ascensor. Pete le siguio la corriente y empezo a hablar al tono de marcado aunque las puertas se estaban cerrando. Cuando el ascensor empezó a subir, el cordón del teléfono se estiró, y terminó rompiendose. Los que estaban en el hall oyeron la voz de Pete desde la segunda planta, "¡Creo que se ha cortado!"
Keith llamo a su hija Mandy porque era el nombre de su bebida favorita, Mandrax. Si hubiese tenido una segunda, la habria llamado Brandy.

Una noche, en Escocia, Keith le pidió a su chófer cogiera las llaves de su Bentley para poder sacarlo un rato. El chófer lo hizo porque Keith prometió que no lo conduciria. Media hora después, le devolvió las llaves al chófer y desapareció. Resulta que había decidido coger el automóvil para un pequeño paseo, y se habia estrellado con un Porsche, un Aston Martin, otro Bentley, y un Jaguar, todos eso intentado salir del parking.

En una gira en Nueva Zelanda con The Who, Steve Marriott de los Small Faces recibio un tocadiscos como regalo de cumpleaños de su sello, EMI. Durante la fiesta, uno de los discos saltaba y Marriott respondió golpeando el tocadiscos y rompiendolo. Por supuesto, como Keith estaba allí, el tocadisco salió volando por la ventana. Incluso bajo y volvio a subir a la habitacion los pedazos rotos y lo tiró de nuevo por la ventana junto con el mobiliario de la habitacion. El día siguiente, Marriott convencio al personal del hotel de que unos intrusos habían destrozado sus cosas, para que ellos rápidamente el redecoraran el cuarto, y le compraran un nuevo estéreo. Al final de la fiesta de la noche, Keith estaba felicitando al hotel en su trabajo de redecoracion, cuando vió el nuevo estéreo. Por supuesto, salió volando de nuevo por la ventana junto con todo el nuevo mobiliario del hotel. Gracias a Keith, se pusieron guardias armados en las puertas de la habitacion de Steve, y fueron deportados al dia siguiente.

En los 60 el bateria Philly Joe Jones estaba viviendo en Inglaterra. Encontrar trabajo era dificil, asi que se dedico a dar clases de bateria a 3.50£ por hora. Un estudiante llamado Keith Moon llego para una leccion, le dio el dinero y Joe Jones le dijo, 'OK, veamos que sabes hacer', Keith se sento y se puso a tocar, cuando termino, Jo Jones le pregunto '¿Tocas en alguna banda? y Moon le contestó 'Sí.' '¿Cuánto ganas?' 'No lo se, aproximadamente 1,000 £ a la semana'. Joe Jones le devolvió las 3.50 £y le dijo ' Tio, yo solo podria estropear lo que haces.'

Una anécdota famosa sobre los Who es su aparicion en el programa de los Smothers Brothers en los ultimos 60. Sin decirselo a nadie, Keith cargó su un tambor de su bateria con pólvora antes de la actuacion, pero no sabia cuánta usar, y terminó poniendo demasiada. Entonces, al final de su actuación mientras Pete tocaba su Rickenbacker delante del equipo de Keith, hizo estallar la polvora causando una gran explosion. John y Roger se agacharon a un lado del escenario, y Pete salio despedido, su pelo se chamuscó, y su oído sufrio dañó permanentes. Un trozo de platillo se clavó en el brazo de Keith, y Bette Davis que era otra invitada del programa se desmayó en los brazos de Mickey Rooney.

Las bromas con disfrazes eran tipicas de Keith, en una ocasión, él, John Bonham y un periodista fueron a tomar copas disfrazados de piratas. En otra ocasión, para lograr entrar en un hospital a ver a un amigo, se vistio de enfermo, y Viv Stanshall de medico, consiguieron entrar sin que nadie les dijese nada. Tambien le gustaba el disfraz de vicario, con él se paraba a hablar con jovencitas desde el coche, les preguntaba que tal les iba todo, y al terminar gritaba "Muchas gracias, ahora, ¡que os jodan!" Este traje tambien dio mucho juego con la broma del rapto, Keith iba con su vestido de vicario por la calle, cuando Stanshall y otros amigos salian de un coche y simulaban un rapto.

En una ocasión, compro un par de piernas ortopedicas, las saco por la ventana del coche, y mientras el chofer conducia, el se dedicaba a mover las piernas y gritar, finguiendo una violacion. Se aviso a la policia que localizó el coche en un hotel, subieron a la habitacion de Keith, y mientras el chofer intentaba contarle a uno de los policias lo que habia pasado, el otro registraba la habitacion. En mitad de la explicación, el del registro salio del baño diciendo "Dios mio, no solo la han violado, la han matado." Lo que sucedió fue que Keith les habia visto llegar, asi que su mejor idea fue poner las piernas dentro de la bañera para que el policia de pensase que estaba alli dentro muerta, mientras él lo observaba todo desde dentro del armario. Por supuesto, ni se le detuvo ni se presentaron cargos.
 
Impagables anécdotas de uno de los más grandes chiflados que ha parido madre.

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Una rareza (al menos para quién les teclea):

Kurt Cobain & William Burroughs - The "Priest" they called him

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01 - The "priest" they called him

En 1992 el lider de nirvana y uno de los escritores beats mas reconocidos se unieron y este disco dio a luz. En el, Cobain improvisa con su guitarra mientras William recita un poema que figura en su libro Exterminio!. Todo este raro experimento dura casi 10 minutos. Y si, antes que pregunten, el de la tapa es Krist Novoselic.
 
Joder lo que he encontrado por ahí:

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Lo mejor es el título, el tío le ha puesto al disco nada menos que "Mojo Priest", ahí, con dos cojones, como si fuera Robert Johnson redivivo.
Quien quiera disfrutar de esta excelsa obra puede bajársela de aquí https://rs213.rapidshare.com/files/52955978/STEVENSEAGALMojoPriest2006.rar
y creo que la contraseña para descomprimir el rar es Zinhof aunque no lo puedo asegurar porque, a ver, qué coño me voy a bajar yo esto :-) . Aunque algún friki ha subido dos temas al goear y tengo que reconocer que no es tan pésimo como pensaba. El hombre no es Barry White cantando pero las canciones podrían ser peores, y la producción es bastante decente.
Por si alguien no se lo cree todavía:

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El disco de seagal de aqui unos años será algo de culto y dificilísimo de encontrar. Lo mismo pasó con el disco de Jesulín (del cual poseo una copia) que ahora no hay huevos de encontrarlo ni en una gasolinera.
 
"Cuando compramos una entrada para ver a un músico, a menudo conocemos ya parte de su historia profesional; asumimos ciertos niveles de competencia y experiencia, cierta instrucción (sea esta formal o no formal) y una habilidad considerable. Que instrucción debe el musico asumir de la audiencia? ¿Que capacidad y experiencia en escuchar? Evidentemente, existen distintas calidades de interpretación. Del mismo modo, es evidente que existen distintas calidades de escucha. Simplemente, aquello que oímos esta en función de nuestra calidad de escucha. (...). Ser un oyente, formar parte de la audiencia, requiere tanta instrucción como la que se requiere para ser un músico. Escuchar es una disciplina activa y nuestro instrumento son los oídos."

-Robert Fripp, King Crimson-
 
cuellopavo rebuznó:
"Ser un oyente, formar parte de la audiencia, requiere tanta instrucción como la que se requiere para ser un músico. Escuchar es una disciplina activa y nuestro instrumento son los oídos."

-Robert Fripp, King Crimson-

¿Quiere decir que tan artista es el que crea como el que se recrea? Creo que hay algo de verdad en ello.
 
Excelente esa cita de Crimson, la guardo ipso facto. El oido hay que educarlo e instruirlo en múltiples géneros y registros, y durante años, para poder apreciar y disfrutar la música en toda su plenitud.
 
Estado
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